MUSICALMENTE SUYO...

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Musas de "otros mundos"...
Este fin de semana en León tuve una agradable conversación sobre música con mi nueva amiga Arancha. Esto me ha hecho volver aquí y seguir compartiendo emociones en forma de música. Hoy me tomo una tarde de meditación musical y espiritual gozando con los sonidos de estas dos cantantes y "musas de otros mundos"...

Mari Boine

"La región de Laponia está ubicada al norte de Noruega, Finlandia, Suecia y Rusia. Aunque algunos los llamen noruegos o suecos, ellos son los originarios habitantes de la región y la tierra donde viven es el país Sami. Allí vive Mari Boine. Allí lucha por conservar la cultura, la lengua y la música el pueblo de los Sami.

Mari Boine Persen nació en 1956 en el pueblito de Gàmehhisnjàrga, al lado del río Anarjohka, en el seno de una familia de pescadores de salmón. Creció en un hogar muy devoto y estricto. La primer música que escuchó fueron los salmos cantados del movimiento fundamentalista cristiano "Laestadian", con muchos seguidores entre los Sami. De acuerdo a Mari "los colonizadores trajeron la cristiandad y dijeron a los Sami que tenían que olvidar su religión primitiva, y la música es parte de esa religión. Mucha gente de la generación de mis padres no acepta la música, dice que es música diabólica que cantas cuando estas borracho; los colonizadores también trajeron el alcohol". Estudió para ser profesora, pero luego abandonaría esta ocupación para orientarse definitivamente hacia la música. Mari había crecido sintiendo vergüenza de sus raíces; es este sentimiento de inferioridad el que más tarde superaría y denunciaría con su música.

Su primer disco, "Jaskatvouda mannà" editado por Iduit Records, sólo tuvo distribución en Noruega. Luego de su participación en los festivales WOMAD, Mari contactó a Peter Gabriel, y publicó su segundo álbum con Real World en 1990, llamado "Gula Gula". Este disco le abriría las puertas del mercado internacional.

La producción de Boine es sin duda escandinava, a pesar de que su música incorpora instrumentos de otras tradiciones musicales. Utiliza bajo eléctrico, teclados y guitarras junto con charangos peruanos, flautas indias y violín árabe; pero conserva elementos centrales de la música Sami. Es el caso del joik, una manera improvisada y personal de cantar en verso. Usualmente el joik refiere a la naturaleza y a los animales, e ilustra la cercana relación de los Sami con el mundo a su alrededor: "en la cultura Sami piensas en todo como un todo", dice Mari, quien además combina el uso del tambor Sami y del africano. El uso del tambor y la voz remite a la antigua tradición Sami y al chamanismo pre-cristiano de esa cultura: "cuando comencé a usar un tambor alguna gente se preocupó y dijo ‘¿es un chamán?’ entonces decidí que no podía usar solamente un tambor Sami".

Aparte de su propia discografía, Mari ha colaborado con el gran músico de jazz Jan Garbarek en el disco "Twelve Moon" (ECM), ha participado en álbumes de otros artistas noruegos, además de haber realizado la música de diversos espectáculos teatrales, shows televisivos y exposiciones de arte. También ha participado en el festival noruego "Vossajazz", uno de los mayores de Europa. Por su cuarto álbum, "Lehakastin", recibió el premio noruego a la música (equivalente a los premios Grammy) en febrero de 1994.

En la actualidad, la mayoría del pueblo Sami considera a Mari Boine una de sus más grandes embajadoras. Puede decirse que representa a Noruega y a los Sami, por igual, en todo el mundo."

(Fuente estaciontierra.com)

Kiran Ahluwalia.

Una mujer de verdad del mundo, Ahluwalia nació en la India y creció en Toronto, Canadá, y sus principios musicales reflejan su dicotomía personal. Ella es un bien entrenado exponente de un antiguo estilo de la canción romántica conocida como Ghazal, que comenzó en Persia (actual Irán), al menos, hace un milenio antes de extenderse a la India. Su voz melosa, sensual y resonante nasal recuerda las damas grandes de Bollywood y hace honor a siglos de anónimos intérpretes Ghazal, cuyo legado ha resucitado y glorificado en esta joven artista. Christina Roden. (Fuente fulcanellinewworld.blogspot.com).

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La entrada de hoy va dedicada a la Pelirroja. Es una de las personas que más me ha marcado. Me despertó el gusto por la música celta (mal llamada así), y sigue hasta hoy, pues sigo siendo un seguidor y oyente de estos estilos. Desde aquí mis mejores deseos y que todo te vaya siempre bien.

¡Besos!

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Desde pequeño, siempre me ha gustado este músico. Fue en la colección de discos de mi padre donde lo encontré y todavía conservo el vinilo. Muchas, muchas veces lo he escuchado. Ahora, gracias a la tecnología, en directo.

Eumir Deodato

Eumir Deodato (nacido el 22 de junio de 1943 en Río de Janeiro) es un músico brasileño, productor y compositor de arreglos basados principalmente en el jazz, pero conocido por su diseño y composiciones eclécticas de la unión de diversos géneros musicales, como el rock, el pop, el R&B, el funk y música de orquesta. Principalmente, sus temas pueden considerarse pop jazz y también covers. Su éxito como artista original se dio en los años 70 y desde entonces ha producido más de 500 albums para bandas como Kool & the Gang y Björk. Intérprete de temas como Así Hablaba Zaratustra y otros éxitos, y arreglista instrumental para artistas como Frank Sinatra y Vinicius de Moraes.

Su primer álbum en los Estados Unidos, Prelude, al público en 1973, fue considerado con un estilo de Big Band y música Latin Jazz y atrajo a una nutrida audiencia. Su versión funk de la canción de Richard Strauss, Also Sprach Zarathustra le valió el premio Grammy por Mejor Interpretación Pop/Instrumental, en 1974. Ganando el lugar No. 2 en el Billboard de Estados Unidos y el No. 7 en el Reino Unido y fue usada en la película Being There. Deodato 2 (nombre de su segundo disco) si bien tuvo la misma calidad y estilo, no alcanzó las ventas esperadas y prácticamente desapareció a la disquera Creed Taylor Inc. En sus tempranas grabaciones, se apoyó del guitarrista John Tropea y al flautista de Jazz fusion, Hubert Laws. Deodato siguió grabando hasta los años 1980 bajo el sello discográfico Kenya, pero no logró alcanzar totalmente el éxito que obtuvo con Prelude.

Deodato ha estado en demanda como productor y adaptador desde los años 1960. Ha trabajado en más de 500 álbums, 15 de los cuales han alcanzado el Disco de Platino. Su habilidad como arreglista le proporcionaron la entrada a la industria americana de la grabación, escribiendo partituras para Wes Montgomery, su compañera brasileña canta-autora Astrud Gilberto y, más notablemente, para Frank Sinatra, en su álbum (considerado de Bossa Nova) Sinatra & Company. Otras colaboraciones notables son con Kool & the Gang, en los años 1980 y en el disco de Björk, Homogenic. Ha colaborado también en el soundtrack de varias películas, como Bossa Nova, Ghostbusters II e incluso El Exorcista.En el 2007 participa en el Disco homenaje a Enio Morricone.También colabora en disco "Mundo Feliz" del músico Gallego Juan Rivas donde realiza arreglos para la canción (El amor que me dás).

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Nuestro amigo y maestro Pepe Medy, nos comentó un día que en su pueblo, Linares, era constumbre que las bandas musicales de Semana Santa interpretasen canciones de bandas sonoras en los desfiles. La verdad es que es bastante curioso y algunas quedan muy chulas. Debido a las fechas en las que estamos, Semana Santa, queda oportuno poner algunos de estos temas aquí, como curiosidad musical. Ahí lo llevas.

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Anoche asistimos a un gran concierto que nos ha parecido una interesante experiencia digna de compartir con todos. Una combinación multicultural de músicas y esencias con el txalaparta como protagonista (un instumento de percusión formado de tablas de madera o piedra que ha de ser tocado mínimo por dos personas). La información del concierto:

"Oreka TX ha viajado durante los años 2003-2005 con su txalaparta, un instrumento musical único, que se toca entre dos personas y que ellos entienden como un lugar de encuentro, de diálogo. En este recorrido se han encontrado con músicos y realidades de pueblos lejanos, desde Mongolia al Sáhara, de Laponia a la India.

De la experiencia vivida y del material visual y sonoro recogido durante esos viajes surge el nuevo espectáculo: "Nömadak TX en Directo".

Los txalapartaris de Oreka TX, acompañados de su nueva banda y de músicos invitados para la ocasión, el músico mongol Saruultugs Myagmarjav "Saruul", miembro del grupo Transmongolian, quien canta el canto armónico Khoomi y toca el instrumento tradicional mongol Morin Khoor y la cantante saharaui Ariza Brahim, nos presenta en novedoso concierto-viaje que mezcla música e imágenes sobre el escenario".

La verdad es que disfrutamos enormemente de este original espectáculo y el público aplaudió de pie la emocionante experiencia vivida. Si tenéis oportunidad no os perdais este proyecto-concierto. Casualmente, tras el acto, nos encontramos al grupo en un pub tomando copas y pudimos saludarlos y comentar el concierto. Justo cuando estábamos hablando de magia, mis acompañantes se abalanzaron sobre los músicos para pedir firmar. Ante este "desplazamiento" (je,je) y los ya notables efectos del alcohol, dejamos la conversación para otra ocasión. Me quedé con ganas de charlar con la cantante saharaui, pero si coincidimos en otra ocasión, lo haré.

Aquí teneis algunas muestras de su trabajo:

Bonito...

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Hoy dedicamos esta sección al colega Miguel Puga. No pudimos verlo en Granada el pasado fin de semana porque se encontraba fuera por trabajo, pero ayer lo escuchamos en la radio haciendo "verbimagia" je,je.

Hoy disfrutaremos de grandes pianistas y de música minimalista. Aunque hay quien dice que el creador del género, o su precursor, es Philip Glass, los entendidos dan este galardón a Wim Mertens. Mi opinión es esta última. Me gusta mucho la música de este pianista y compositor. Lo descubrí asistiendo en Las Palmas de Gran Canaria al ballet de Julio Bocca. Fui acompañando a dos amigas y al final disfruté como un auténtico niño. Nunca olvidaré las sensaciones que me causaron ese extraorinario ballet danzando la música de Wim Mertens con las olas rompiendo en el fondo de cristal del Auditorio Alfredo Craus. Una experiencia única. Desde entonces soy admirador de esta música.
Veremos algunas piezas de Win y de otro grande, Ludovico Einaudi.

Wim Mertens. "Mertens estudió Ciencias Sociales y Políticas en la Universidad de Lovaina (graduándose en 1975), así como Musicología en la Universidad de Gante; también estudió Teoría Musical y piano en el Real Conservatorio de Gent y Bruselas. En 1978, se convirtió en productor en el entonces BRT (Radiotelevisión Belga). Para Radio 2 (Radio Brabant) produjo conciertos de Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley, Meredith Monk, Urban Sax y otros, y tuvo un programa llamado Funky Town junto con Gust De Meyer (con el que grabó el CDexperimental For Amusement Only).

Conocido sobre todo como compositor desde los últimos años setenta, Mertens es reconocido por su obra Struggle for Pleasure, la cual fue elegida como música para los anuncios del operador de GSM belga Proximus. Es también conocido por su pieza Maximizing the Audience, que fue compuesta para la obra de Jan Fabre The Power of Theatrical Madness, estrenada en 1984 en Venecia, Italia. El estilo de Mertens, aunque en continua evolución durante el transcurso de su prolífica producción, roza el minimalismo, la música ambiental y el avant-garde, normalmente, en cualquier caso, preservando la melodía de las incursiones que realiza en los mundos que explora.

La música de Mertens fue usada junto con la de Glenn Branca en la película de Peter GreenawayThe Belly of an Architect 1987. Mertens también grabó bajo el nombre «Soft Verdict» y es el autor del libro American Minimal Music, acerca de la escuela de la música repetitiva americana, también llamada "minimalista".

En marzo de 1998 Mertens se convirtió en el Embajador Cultural de Flandes.

En agosto de 2007 Mertens firmó un contrato con EMI Music Belgium, sello que está realizando un ambicioso plan de relanzamiento de todo el repertorio anterior del compositor desde enero de 2008. Su "oeuvre intégrale" estará disponible de forma digital y para todo el mundo. No es la primera vez que EMI y Mertens trabajan conjuntamente, ya que en 1999 la banda sonora de la película de Paul Cox Padre Damián fue editada por este sello discográfico.

Compositor afamado, Mertens da múltiples conciertos anuales por todo el mundo, generalmente en tres formatos:

• Wim Mertens Solo, como solista de piano y voz.
• Wim Mertens Duo, acompañado en algunos casos de violín y en otros de un saxofón soprano.
• Wim Mertens Ensemble, con un conjunto de diferentes voces e instrumentos.

De este último tipo es el concierto grabado el 30 de septiembre de 2005 en el teatro De Roma, Amberes, y publicado en el DVD What you see is what you hear (2006). Grabación perteneciente al ciclo de conciertos "Maximizing The Audience", por la celebración del 25 aniversario. En esta ocasión Mertens dirigió un conjunto de 12 músicos compuesto por él mismo aportando voz y piano, un quinteto de cuerda (2 violines, viola, violonchelo y contrabajo) y un coro a tres voces blancas (2 sopranos, 2 mezzosopranos y 2 contraltos)." Fuente Wikipedia.

Ludovico Einaudi. "De niño su madre tocaba el piano con él. En 1982 se diploma en composición en el Conservatorio de Música Giuseppe Verdi de Milán con Azio Corghi. Ese mismo año recibe una beca para el Tanglewood Festival de Estados Unidos y continúa sus estudios con Luciano Berio. Tras pasar varios años componiendo en formas tradicionales, en 1986 comienza la búsqueda de un lenguaje musical más libre y personal a través de una serie de trabajos para danza, multimedia y más tarde para piano.

Ha realizado bastantes trabajos para el mundo del cine, recibiendo varios galardones internacionales :

• Grulla de oro por la banda sonora de Acquario en 1998
• Echo Klassik por la banda sonora de Fuori dal mondo en 2002
• Mejor banda sonora en los premio de la música italiana en 2002 por Luce dei miei occhi
• Mejor banda sonora en el Festival de Aviñón en 2004 por Sotto falso nome

Actualmente reside en la región italiana de Piamonte.

Su música es ambiental, para meditar y a menudo introspectiva. Aunque no le gusta ser etiquetado como perteneciente a un estilo u otro se le suele considerar minimalista, etiqueta con la que el propio Ludovico está de acuerdo: “En general no me gustan las definiciones, pero ‘Minimalista’ es un término que significa elegancia y sinceridad, por lo tanto prefiero ser llamado minimalista a cualquier otra cosa”. Fuente Wikipedia.

Ahí es nada...

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Ya que la música es parte muy importante para despertar las emociones humanas, y personalemente es parte muy importante de mi vida, vamos a crear esta sección fija como parte del blog. Hoy día gracias a la tecnología es fácil encontrar y decubrir nuevas aportaciones, así que las aprovecharemos poniendo en sucesivas ocasiones vídeos y canciones que nos gustasen o hayamos descubierto. Aquí hay sitio para todo, así que ¡cuidado con las sorpresas!

El primer post sobre este tema es "Música. El alimento del Alma...".

Hoy está dedicado a Teresa Salgueiro, cantante de Madredeus y una de mis cantantes favoritas.

"Teresa Salgueiro (Amadora, 8 de enero de 1969); cantante portuguesa. Es conocida como la vocalista de Madredeus, grupo portugués de música, desde 1987 hasta el año 2007. Maria Teresa Salgueiro nació en Lisboa, hija de un comerciante de telas y una telefonista, que vivían en Amadora, ciudad de la periferia de Lisboa. Desde muy pequeña, le gustaba cantar y escuchar música, pero nunca pensó en que tuviera cualidades excepcionales como cantante. Pese a ello, a los 16 años, era vocalista de los Amanti, grupo de neo-punk y le gustaba pasar el tiempo en las tabernas de Lisboa, donde todavía se podía escuchar y cantar fado, genero denostado por su emparejamiento al régimen del dictador Salazar. Fue en una de esas tabernas donde una noche, dos desconocidos le pidieron si quería ir a una audición para un nuevo grupo que estaban formando: Teresa dijo que si y fue la semilla que germinó el otrora grupo llamado Madredeus. Era 1987 y, por aquel entonces, Madredeus lo formaban:el guitarrista y productor Pedro Ayres Magalhães Francisco Ribeiro en el violoncelo, Gabriel Gomes en el acordeón y Rodrigo Leão en los teclados. Más tarde, en 1994, el grupo empezó a tomar otros derroteros y, finalmente, un año después, el grupo dejaría de tener acordeón y violonchelo para decantarse por la guitarra clásica y la acústica. También el teclista, Rodrigo Leão, marchó del grupo: así pues, la formación final de Madredeus seguía formada por Pedro y Teresa, además de Fernando Judice, José Peixoto y Carlos Trindade, músicos de sobrada experiencia en la música.

Teresa Salgueiro se caracteriza por una voz sumamente vibrante, que se podría catalogar como soprano. Su presencia escénica es brillante, elegante y acogedora, siendo esa con su voz su característica principal. Al interpretar acompasa la respiración con el movimiento de sus manos.

En diciembre del 2005, Teresa Salgueiro sacó su primer CD, Obrigado (que significa Gracias en portugués), con la participación de músicos como el brasileño Caetano Veloso, el gallego Carlos Núñez, el catalán Josep Carreras, el acordeonista japonés Coba. Era un disco recopilatorio en que daba las gracias a sus fans y a todos los músicos que la habían invitado a participar en sus canciones, además de colmar sus ansias de ir más allá de Madredeus.

En abril de 2007, Teresa Salgueiro, junto al Septeto de João Cristal saca a la luz Você e eu bossa nova, con canciones de Chico Buarque, Ary Barroso o João Gilberto entre otros. Paralelamente a la presentación de este disco, Teresa también sacó al mercado dos discos más (con sus giras correspondientes): A Serena, con Lusitania Ensemble y Silent, Night and Dreams de Zbigniew Preisner, el compositor habitual del director polaco Kiewlowsky. Esos tres discos tan seguidos no han impedido que Teresa participe, también, en diversos conciertos, sobre todo en Italia, donde ha participado en una sesión para la recuperación de la cantata tradicional napolitana Es de inusual belleza el disco con el compositor polaco, en el que se narra el libro de Job, cuya fe en Dios, a pesar de las desgracias, le hizo honroso del título extraoficial de santo. Se puede escuchar una Teresa mística, con canciones de gran belleza, en solitario o acompañada de un coro, dónde su voz adquiere registros que nunca antes se habían escuchado en ella. Del disco A Serena, cabe destacar su versión de Caruso, O Namoro y de la bella Vuelvo al Sur, dónde su fuerza deja en parejo su sensibilidad y melodía". Fuente Wikipedia.

Algunos vídeos: